Masterclass: Esquemas Cromáticos / El color cinematográfico

22 mayo, 2018 In Arte Artículos cine Diseños/Desing 1 Comment

El color, resulta una pieza fundamental de cara a enfatizar la tensión, los sentimientos o simplemente aumentar la atención visual a través de una correcta armonía. En este artículo hablaremos de los principales 5 esquemas de color que son utilizados en la industria cinematográfica.

IMG_9335_square El color aparece en el cine, con el desarrollo del primer proceso de revelado de película en color denominado Autochrome (1909). Mientras que la incorporación del sonido fue rápida y determinó la desaparición del relator y los músicos en vivo, el color tardó más en ser adoptado por el cine. Por otra parte, las estaciones y redes de transmisión televisiva de gran parte del mundo se actualizaron del blanco y negro a la transmisión en color entre los años 1975 y 1979. La invención de los estándares de televisión en color son una parte importante de la historia de la televisión.

Si no se acude nunca a construir imágenes mediante la combinación de ciertos colores, no se podrá crear una respuesta emocional en el receptor. Los colores suplementan los sentimientos que se buscan expresar en una escena o diálogo. La teoría de color y los esquemas cromáticos resultan una herramienta básica de la comunicación audiovisual.

Planeando el look

Por supuesto, en una publicación, un colorista solo puede trabajar con lo que se le da, y así se puede argumentar que el aspecto general de la imagen es responsabilidad del diseñador de producción. Esto es cuidadosamente planeado por el departamento de arte en su conjunto en consulta con el director y el director de fotografía mucho antes de que las cámaras comiencen a grabar .

El efecto del color

El color nos afecta psicológica y físicamente, a menudo sin que nos demos cuenta, y puede usarse como herramienta dentro de una historia. El conocimiento te da control, y el control significa que puedes manipular y usar el color para darle a tu trabajo una ventaja poderosa y hermosa. Poder usar el color para crear armonía, tensión dentro de una escena, o para llamar la atención sobre un personaje clave puede ser usado para conseguir un efecto espectacular.

En el sentido del trabajo de los más grandes cineastas del mundo, admiramos que nada es accidental. Se ha demostrado que un color rojo intenso aumenta la presión arterial, mientras que un color azul tiene un efecto calmante. Algunos colores están claramente asociados con una ubicación o lugar en particular, mientras que otros dan una sensación de tiempo o período.

La rueda de color

En primer lugar, veremos algunos aspectos fundamentales que se aplicarán por igual tanto al diseño como a la edición.

Todo comienza con la rueda de colores. Esto debería ser familiar para cualquier persona con experiencia en un corrector de color de 3 vías.

La rueda de color es la herramienta común que verá cuando se trata del control del color, y es estándar en la teoría del color al definir una serie de combinaciones que se consideran especialmente agradables.

En una forma simplificada, la rueda de color comprende 12 colores basados en el modelo de color RYB (o sustractivo).

En el modelo de color RYB, los colores primarios son rojo, amarillo y azul. Los tres colores secundarios son verde, naranja y púrpura, y se pueden hacer mezclando dos colores primarios. Se pueden hacer otros seis colores terciarios mezclando los colores primarios y secundarios.

Hagamos algún sentido de esto. En primer lugar, notará colores más cálidos en el lado derecho y colores más fríos en el lado izquierdo. Los colores cálidos son brillantes y energéticos. Los colores fríos dan una impresión calmante y tranquila.

Definiremos rápidamente las armonías de color comunes o los acordes de color, cada uno consta de dos o más colores dentro de un patrón o relación específica en la rueda de color.

LOS CINCO ESQUEMAS CROMÁTICOS

1. Esquema de color complementario

Dos colores en los lados opuestos de la rueda de colores forman un par complementario. Este es, con mucho, el emparejamiento más utilizado. Un ejemplo común es naranja y azul, o verde azulado. Esto combina un color cálido con un color fresco y produce un alto contraste y un resultado vibrante. La saturación debe gestionarse, pero un par complementario suele ser bastante agradable a la vista.
Los colores naranja y azul a menudo se pueden asociar con conflictos en acción, interna o externamente. A menudo, un conflicto interno dentro de un personaje puede reflejarse en la elección del color en su entorno externo. Del mismo modo, Rojo y verde también son complementarios, Hickock los utiliza en su famosa película vértigo, para relacionar a la difunta mujer del personaje y Judy Barton, una nueva muchacha que conoce y le recuerda a su antigua amada, el personaje se vuelve tan loco que va intentando transformarla en su recuerdo, obligándola a vestirse e incluso moverse como su antiguo cónyuge.

La combinación complementaria, destaca por un fuerte contraste entre colores. Dado que es la más usada, puede ser una forma fácil de agregar un look cinematográfico a vídeos caseros o producciones semi-profesionales, sin embargo, hay que tener mucho cuidado a la hora de desarrollar este esquema, ya que el que famoso Teal and Orange está LITERALMENTE presente en la mayoría de producciones actuales y puede llegar a cansar fácilmente si no es usa como es debido

2. Esquema de color análogo

Colores análogos se sientan uno junto al otro en la rueda de colores. Combinan bien y pueden crear una armonía general en la paleta de colores. Se trata de colores más cálidos o colores más fríos, por lo que no tienen el contraste ni la tensión de los colores complementarios.

Los colores análogos son fáciles de aprovechar en paisajes y exteriores, ya que a menudo se encuentran en la naturaleza. A menudo, un color puede ser elegido, un segundo para apoyar y un tercero junto con los negros, blancos y tonos de gris para acentuar.

Azules por una parte y amarillos por otro caen uno junto al otro en la rueda de colores, lo que genera una sensación de calidez general con muy poca tensión en la imagen. En El Padrino, el esquema análogo de tonos café, ayuda no sólo a otorgar un estilo clásico de una época pasada, tal y como la trama describe, sino que resalta el uso exquisito de los contrastes entre luces y sombras, dentro de un mundo de maldad colmado de terribles decisiones, donde los personajes esconden sus demonios más oscuros detrás de una sonrisa y un elegante traje italiano.

3. Esquema de color triádico

Los colores triádicos son tres colores dispuestos uniformemente espaciados alrededor de la rueda de color. Uno debe ser dominante, los otros por acento. Darán una sensación vibrante incluso si los tonos son bastante insaturados.

El triádico es uno de los esquemas de color menos comunes en la película y, aunque es difícil, puede ser bastante sorprendente.

4. Esquema de color dividido-complementario

Un esquema de color complementario dividido es realmente muy similar a los colores complementarios, pero en lugar de usar el color opuesto directo del color base, usa los dos colores al lado del opuesto. Tiene el mismo contraste alto pero menos tensión que un par complementario.

5. Esquema de color tetrádico

Los colores triádicos consisten en cuatro colores dispuestos en dos pares complementarios. El resultado es una paleta completa con muchas variaciones posibles. Como con la mayoría de estas armonías de color, un color al menos, suele ser dominante.

La colorida escena de la fiesta de “Mama Mia” cae en el ejemplo de una elección tetrádica de colores que crea una paleta equilibrada y armoniosa en una escena que de otro modo podría haber parecido una mala discoteca.

Algunos aspectos generales comunes que se pueden crear en una publicación más o menos independientemente de los colores de la imagen son el aspecto naranja / verde azulado donde se empuja el color naranja en los puntos destacados y se pulsa el medio superior de los tonos de piel y el verde azulado (o azul verde) en las sombras.

Una escena de “Magnolia” que muestra otro ejemplo del romance de Hollywood con naranja y verde azulado. Azul / verde ha sido empujado hacia las sombras, y naranja en los tonos medios y reflejos específicamente en los tonos de piel.

Masterclass: Composición en las artes visuales

1 febrero, 2016 In Arte Artículos Curso de cine Diseños/Desing 1 Comment

Masterclass: Composición en las artes visuales
Análisis y estudio de la composición en la pintura, la escultura, la fotografía y el cine

Las Reglas de composición visual

Las leyes de la composición constituyen una unidad orgánica que permite ordenar los elementos conceptuales, visuales y técnicos, necesarios para el acto creador.
El estudio de la estética y la búsqueda de patrones comunes en cuanto a la percepción de la belleza, resulta un ejercicio tan antiguo como la humanidad en sí, siendo las pinturas rupestres las primeras muestras de un lenguaje teórico-cognitivo representado mediante algún tipo de orden.
La percepción de lo bello resulta algo variable, no universal, sino propio de cada sujeto y cultura, más según los diferentes procesos del análisis empírico, nuestros ojos parecen regirse por una serie de normas que han intrigado a los creadores desde tiempos remotos. Estos han tratado de traducir lo que entendemos por armonía en una serie de normas matemáticas que hoy en día suponen los cimientos de la composición.

La regla de los tercios

Se trata de la norma más clásica de composición en las artes visuales, la que primero se aprende, la que primero te enseñan, la más fácil de realizar y la más abundante.
Esta regla se basa en dividir el rectángulo en tres bandas iguales, tanto horizontal como verticalmente. Las líneas determinarán la posición principal de los elementos alargados y los puntos de intersección de estas líneas serán los puntos de interés de la imagen donde deberán situarse los objetos o acciones importantes. Emplear esta norma nos ayudará a conseguir imágenes efectivas si carecemos de conocimiento fotográfico

De esta regla se desprende la conocida “norma del horizonte”, por la cual se desaconseja colocar el horizonte en el centro de la fotografía. Por supuesto hay fotografías maravillosas que desafían esta regla, igual que a la regla de los tercios y a todas las demás.

Por otra parte, en el cine situamos al interprte en los puntos de intersección para dejar “aire” en la dirección en la cual el sujeto está mirando, es decir, debemos dejar un espacio vacío respetando la dirección de la mirada del actor para obtener un plano armonioso, limpio y de fácil acceso para el espectador.
En estos dos fotogramas de Chinatown y Seven podemos ver cómo se cumplen perfectamente las reglas del aire y los tercios

Del mismo modo, podemos romper las reglas para nuestro propio beneficio, siempre y cuando, sepamos cómo y cuando.
La siguiente escena es difícil de deglutir y si mantenemos durante mucho tiempo un plano que no respeta la regla del aire, este resulta incómodo para el espectador.
El fotograma pertenece a la galardonada pelicula El secreto de sus ojos en dicha escena, el muchacho sentado está siendo sometido a un interrogatorio policial por la reciente violación y aterrador asesinato de su novia. Es una escena triste y dura que por mero funcionamiento de guión intenta incomodar, más aún, por la naturaleza engorrosa de un plano largo, lento, sin apena aire y con objetos superpuestos que consiguen despertar en el espectador, síntomas de malestar y perturbación

En estos fotogramas de la película CREED, el aire o espacio vacío no está en la dirección de la mirada como vemos en la imágen de la derecha.
Todo lo contrario, el espacio vacío se mantiene a la espalda de la actriz. Esto es debido a que dicho hueco es dónde está el actor (su novio en la película) al otro lado de la puerta con el que está teniendo una pequeña discusión, al mismo tiempo, la puerta se muestra amarilla y azul dependiendo de su cara, separando las distancias pues son colores complementarios.

El director respeta en esta escena la regla de los tercios pero no la del aire, está rompiendo las reglas en su beneficio, jugando para crear una sensación de separación entre los dos personajes.

En los siguientes cuadros, ocurre totalmente lo contrario, este momento lo encontramos en la bellísima cinta El mismo amor, la misma lluvia también de Juanjose Campanella.

Aquí el director rioplatense nos muestra una escena donde un hombre una mujer los cuales habían sido novios se encuentran por la calles después de muchos años sin verse y deciden tomarse un café para ponerse al día.

Pese a que el ha seguido su vida y ella va a casarse con su actual pareja, el deseo sigue ardiendo entre ellos dos. El director encuadra a los actores saltándose las reglas,

ubicando a los personajes en las esquinas para dejar presente como ambos se van acercando el uno al otro a medida que avanza la conversación.
Así como en el anterior ejemplo se buscaba dar una sensación de distancia entre los personajes, aquí se busca acentuar la proximidad.
Chico y chica se gustan, chico y chica se van acercado, chico y chica acaban de la siguiente manera:

La regla de los tercios puede dar muy buenos resultados, pero al mismo tiempo puede ser muy básica. Al mismo tiempo goza de demasiado prestigio principalmente entre fotógrafos y creadores principiantes y de nivel intermedio debido a una serie de mitos que han surgido en torno a ella.
Quedarse indiscutiblemente con esta directriz puede resultar muy pobre, simple y erróneo. Ya que hay toda una seria de circunstancias y parámetros con las que también se puede trabajar o combinar junto a los tercios.

El origen, la sección áurea

La norma de los tercios no es más que una simplificación de las proporciones de la sección áurea.
La sección áurea o divina proporción es una regla matemática de disposición milimétrica mediante la cual se ordenan los objetos de una creación para obtener una composición armoniosa. Durante siglos se ha venido aplicado dicha pauta en innumerables invenciones artísticas con excelentes resultados. Estudios como los del dr. Fechner han demostrado que la percepción de la belleza radica en la proporción áurea. Por ende, aquello que matemáticamente más se aproxime a fi, se percibirá como más bello y perfecto. Ésta noción de belleza y perfección es aplicable a estructuras arquitectónicas, pinturas, partituras musicales, fractales y personas

Esta proporción nace a partir del número Fibonacci, una sucesión infinita de números naturales. La sucesión comienza con los números 0 y 1,y a partir de estos, cada término es la suma de los dos anteriores ( 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, 55, 89 . . . )

Esta proporción se da en muchos casos en la naturaleza, por ejemplo la gran mayoría de los árboles parecen crecer siguiendo la sucesión de Fibonacci, La distancia entre el ombligo y la planta de los pies de una persona, respecto a su altura total, La disposición de los pétalos de las flores, e incluso En las estructuras formales de las sonatas de Wolfgang Amadeus Mozart, en la Quinta Sinfonía de Ludwig van Beethoven, en obras de Franz Schubert y Claude Debussy

Ejemplos de ello son grandes obras como la Mona Lisa, la Venus de Milo o el Partenón entre muchos otros

En esta obra el rectángulo áureo define tanto las dimensiones de la mesa como la disposición a su alrededor de Cristo y sus discípulos, podemos constatar a simple vista que también la siguen las paredes de la estancia y las ventanas del fondo.
Tampoco el retrato de la “Gioconda” está exento de la razón áurea. Diversos estudios muestran cómo el rostro de “Mona Lisa”, tanto en su conjunto como en sus detalles, se enmarca con precisión en una elegante sucesión de varios rectángulos áureos.

Si trasladamos la secuencia numérica a un rectángulo nos encontramos con el siguiente ejemplo para una mejor comprensión:

Si seguimos la división con la sucesión de Fibonacci:

Al unir diferentes vértices con una línea nos aparecerá la famosa Espiral de Oro que se encuentra muy presente en la naturaleza resultando visualmente una proporción “natural”.

Claro que la proporción divina no es algo que se encuadre solo en el arte antiguo, grandes multinacionales, arquitectos y artistas en general de hoy día. Siguen acudiendo a este patrón para realizar su obra.

La simetría dinámica

Algunas personas opinan que los puntos de la regla de los tercios son demasiado regulares y estables visualmente, de modo que no llaman la atención del espectador. La regla de la simetría dinámica se ha desarrollado a raíz de observar que muchas de las imágenes más interesantes no tienen los elementos exactamente sobre los “puntos de interés” de la regla de los tercios, sino ligeramente desplazados.

Esta otra regla se basa en trazar una diagonal y de ahí sacar una línea perpendicular hacia la esquina opuesta del rectángulo. Aplicando esta regla obtenemos 4 puntos muy cercanos a la regla de los tercios pero menos “perfectos”. Se genera más tensión visual y por lo tanto las imágenes que siguen esta regla pueden resultar más atractivas visualmente.

A pesar de que puede dar la sensación de que obtenemos lo mismos patrones que aplicando la regla de los tercios, si hiciéramos una comparación entre rejillas, seria visible la pequeña desviación de marcar que ofrece la simetría dinámica

El arte no solo es rebeldía y libre albedrío, a veces puede ser orden y patrones establecidos, más como suele ocurrir de forma usual, probablemente el éxito vendrá infundado por una correcta combinación de ambos factores.

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